Una película más que se suma al tipo “Homemade”. Desde que apareció la Bruja de Blair (amada u odiada pero jamás ignorada), parece que se fundó un género. El terror homemade, esas producciones en donde se simula una grabación casera con hechos reales y que ponen muy de cerca al espectador con la acción y las emociones. Algo que descartaba a Actividad paranormal de mi lista, era la exagerada publicidad y lo presuntuosa de la misma “la película más aterradora de todos los tiempos” rezaba el promo, y cuando esto ocurre generalmente acabas por llevarte un chasco (pues todos sabemos que esa es El exorcista y que para llegarle se necesita un verdadero milagro). Así que opté por no darle oportunidad a tan presumida publicidad.

Katie y Micah son un joven matrimonio que escuchan ruidos extraños por las noches. Micah curioso, se hace de una videocámara para filmar lo que acontece a su alrededor mientras se ausentan o duermen. Así documentan la escalofriante actividad paranormal que asola su casa.

De cualquier manera la película llegó finalmente a mis manos. Si les desagradó y odiaron a la Bruja de Blair por su tosca producción, pues con Actividad paranormal lo más probable es que les pase lo mismo. Si bien, está grabada con mucho menos sobresalto (pues todo se desarrolla en una casa y no en un bosque) verán tomas sencillas, planos repetitivos y poca acción real. Aquellos que gusten de ver monstruos, fantasmas, maquillajes, producción y efectos especiales, les parecerá una cinta plana y sin chiste. Pero si se le ayuda a la cinta, creando un ambiente silencioso y oscuro, nos hacemos un poco tontos creyendo que es un casi documental y nos dejamos envolver por los espantos sutiles y misteriosos, (por la tensión vaya y no por una boca con colmillos) encontraremos un buen rato de susto y sobresalto. Yo estoy a favor de este tipo de suspenso, aparentar realismo y mantener la atmósfera hasta el fin con un desenlace sobrecogedor. Por ahí se dice que la edición en blue-ray contiene un final alternativo y para los que busquen más pues atentos, ya que la secuela viene en camino. Una buena cinta, pero nuevamente y como siempre ocurre, a la mitad de las expectativas, pues no es el fraude que muchos reclaman, pero tampoco la película más tenebrosa de la historia.

Una vez más echándole un vistazo a una película de Pedro Almodóvar y está anda por ahí desde 1990, además es la película que lanzó a la “fama” hollywoodense a Antonio Banderas.

Ricky es un joven con cierto desorden mental quien acaba de abandonar la clínica de tratamiento. Extrañamente se presenta ante Marina una joven confundida que trabaja como actriz del cine barato de corte erótico. Ricky se dice enamorado de Marina y está dispuesto a conquistarla, aunque sea por la fuerza… aunque tenga que atarla.

Antonio Banderas y Victoria Abril son los protagonistas de la película y de la tensión emocional, victimario-víctima o cazador y presa en uno de esos amores salvajes, de “pégame pero no me dejes” (o “átame pero…”), algo así como la historia del zorro que es domesticado por el principito. Estos 2 actores hacen una buena pareja en la pantalla, ella sexy e inocente, sensual pero no vulgar. Y él, varonil y desequilibrado, dulce pero salvaje, —de esas cosas que seducen a las mujeres—, (pero sólo cuando lo ven en el cine, claro, en la vida real esto causa pánico), ambos actores con todo, bien metidos en su papel. Enfatizo esto porque creo que las actuaciones son lo más valioso de la película. Almodóvar corrió nuevamente (como de costumbre) con el guión del film y debo decir que esta vez no me gustó. La historia no me convenció, las situaciones no dejan nunca de parecer como un juego, no hay situaciones límite ni frases célebres como con otras de sus películas y de pronto todo se resuelve tan simple, como en los cuentos de Disney (perdón, aún en Disney hay mayor consistencia). Creo que será una buena película para los que gusten de las historias rosas de tintes románticos pero no para los seguidores del drama o el suspenso. Por fortuna tiene buenos detalles y los fans de Almodóvar encuentran como ya es clásico, al personaje femenino fuerte, la introspección sexual (y emocional), una buena secuencia de sexo o de desnudo (que no puede faltar con Pedrito) y la siempre buena fotografía con sus ricos matices. Y como regalo extra, buena música por parte de Morricone (me sorprendió que fuera él) y alguna rola de buen gusto musical (Como el tema “Resistiré”). Buenos detalles pero débil en su conjunto. Con Átame pueden pasar un buen rato entretenido, pero si deciden saltarla, creo que no se perderán de nada.

Tenía años buscando la versión cinematográfica de “Twilight Zone” mejor conocida en México como “La Dimensión Desconocida” y como seguidor y adorador de la serie me entusiasmó tener al fin en mis manos esta película de 1983 que rinde tributo a la vieja serie de los años 50 y que inspiraría el regreso de la misma con aquel relanzamiento de la saga en los años 80. Esta película  se conforma por 4 historias distintas:

1. Un veterano de guerra expresa su discriminación racial en una noche de bar. A partir de ello comienzan a experimentar la ley del karma y el racismo en carne propia. Esteralizada por Vic Morrow (el legendario Sargento Saunders de la serie Combate) es un segmento muy “políticamente correcto” sobre los judíos, la raza negra y el valor de la tolerancia.

2. Un extraño anciano es el nuevo huesped del asilo y trata de convencer a sus habitantes de “el niño que llevan dentro”. Este segmento es dirigido por Steven Spielberg notándose a grandes luces su estilo exageradamente mágico, complaciente y “de mensaje” para las buenas conciencias.

3. Una joven maestra entabla una “inocente” amistad con un misterioso niño. El jovencito parece atemorizar  y someter bajo una extraña influencia a los miembros de su familia. Protagonizada por una joven y bella Kathleen Quinlan, esta tercer historia intenta ser terroríficamente inocente, pero sin aguantar el rigor del tiempo cae en el absurdo. Tiene su parodia en el Especial de noche de brujas de los Simpson Bart’s nightmare.

4. Un nervioso y paranoico escritor viaja a través de una atormenta en un avión. Entre sus ataques de ansiedad afirma ver por la ventanilla del avión, una terrorífica criatura. Este es sin duda el mejor segmento de la película por mucho, y resulta ser un remake del capítulo más popular de Dimensión Desconocida escrito nada más y nada menos que por Richard Mathenson, “Pesadilla a 20,000 pies” es un ícono de la serie de los 50 (por cierto, protagonizada por William Shatner) y su adaptación en esta película tiene quizás un misterio y encanto inferiores que la original, pero mucho mayor dramatismo y ferocidad.

En resumen esta película intenta guardar la esencia que ha hecho especial esta gran serie de suspenso y terror, pero desgraciadamente se queda sólo en eso, —en el intento—. Sus historias esta vez  abogaron más por la magia y el romanticismo, que por el misterio y el horror. A pesar de contar por ahí con el guionista Richard Mathenson y con Dan Arkroyd como anfitrión, nunca alcanza a despegar, quizás el único que se salva y que vale la pena es como dije, el último segmento, por cierto, parodiado también en los Simpson con Terror at 5 1/2 feet. Ni modo, buena idea hacer una película de la saga, pero no fue una buena producción y cualquier capítulo de la serie original es mucho mejor que este largometraje. Película sólo para fans.

Para finalizar un dato extraño. Vic Morrow y dos niños vietnamitas, Myca Dinh Le y Renee Shin-Yi Chen, perdieron la vida en el rodaje de esta película, el cual ha sido sin duda, uno de los peores accidentes fílmicos de la historia. La leyenda cuenta que la película estaba terminada, pero que los productores descontentos con el final del primer segmento, exigieron filmar un final diferente. Se citó de nuevo al actor Morrow a los estudios y cuando grababan el nuevo desenlace en medio de una “Guerra de Vietnam” un helicoptero realizó una mala maniobra decapitando al actor y aplastando a los niños, matándolos al instante. ¿Qué no es posible?  —Todo es posible en la Dimensión Desconocida—.

Está película no intenta hacer una denuncia del mundo homosexual. Tan sólo es una historia de un segmento que no es representativo del todo.

Con esta advertencia empieza Cruising película de 1980 protagonizada por un joven Al Pacino quien interpreta a un policía de New York con ansias de destacar en la corporación por lo que se arriesga a penetrar en el mundo sadomasoquista del leather homosexual en la búsqueda de un asesino psicópata quién suele masacrar al amante de ocasión.

Cruising es el término que se usa para describir los encuentros homosexuales de ocasión que se pueden tener en lugares públicos y por otra parte también significa patrullar, mejor título no pudo haber tenido esta cinta. Una película que a todo director le gustaría dirigir por las posibilidades en puerta y más contando con un actor de primera. Esta película de 1980 levantó ámpula en su momento, algunos la usaron para señalar y satanizar a cualquier gay vecino y otros, lucharon rabiosamente contra ella, “ofendidos” por la temática de la cinta. Y no se trata simplemente de un guión oportunista para simplemente atraer taquilla por el morbo del asunto, la película retrata muy bien aquel “rudo” sector del agresivo machismo gay, sus curiosidades estrafalarias y el arsenal de sus juguetitos sexuales. También es una gran cinta de suspenso, exponiendo encrucijadas detectivescas, corrupción policiaca, tabúes sociales, presiones psicológicas y alteraciones emocionales, matizando claramente que aunque se pueda ser heterosexual u homosexual la conducta finalmente la dicta el individuo y sus valores. Una buena película hasta el final.

No se me podía escapar comentar esta película que vi hace unos días. Una especie de biografía con su toque de comedia.

Esta es la historia de dos Julias, bueno una Julia y una Julie. Julia es nada más y nada menos que Julia Child, una de las chefs más sobresalientes de la historia contemporánea y la que llevó el estilo y recetas de la comida francesa a Norteamérica por ahí de los años 60. Por otra parte, Julie es una asistente burócrata y frustrada escritora del siglo XXI que busca concretar su carrera. Así que se le ocurre abrir un blog para seguir al punto las 524 recetas de cocina que Julia Child escribió y para ello se propone cocinarlas en un tiempo de 365 días. ¿Podrá lograrlo?

Una película simpática y con una narración entretenida. En ella saltamos de tiempo y de época continuamente, viendo por instantes como Julia Child era una “doña nadie” que no sabía picar cebollas empeñándose en la publicación de su libro enciclopédico de recetas. Entre lapsos mezclándose con la historia de Julie, la jovencita moderna; que por su parte se apasiona con la publicación de su blog buscando emular los logros culinarias de Julia. Todo esto narrado con toques de humor, gracia, desilusión y coraje. Para nada una historia aburrida y si bastante entretenida, con el reto de la narración resuelto de estupenda manera. Y no sólo su toque de humor sostiene la película, sino también la magistral actuación de Meryl Streep, que hace lo que quiere frente a las cámaras, haciendo un papel de “Julia Child” maravilloso, merecedor de cualquier premio, —y que por cierto no le darían el Oscar gracias a las incoherencias de la academia de premiar en su lugar a Sandra Bullock (háganme el favor)—, como sea, si alguien no necesita mayor adulación es precisamente Meryl (pero permítanme una más: es una excelente actriz). Vean Julie & Julia y ríanse un rato de los retos y placeres de la cocina y de la fiebre tecnológica de los blogs, los post y las pasiones y decisiones determinantes que sólo las mujeres emprendedoras pueden tomar.

¿Hasta dónde hay que llegar para cumplir nuestros sueños? ¿Es que tenemos que volvernos de hierro para cristalizar nuestro anhelos?

Daniel Plainview es un humilde minero que tiene la “suerte” de encontrar petróleo en su propiedad. Con su descubrimiento también reconoce su propio potencial, su habilidad para los negocios, su poder de convencimiento, de organización y de riesgo. Pronto se encuentra dispuesto a realizar cualquier cosa con tal de someter a un pueblo entero por el afán de controlar el precioso hidrocarburo; pero tiene que rebasar una serie de obstáculos: Un reverendo esquizofrénico, fanáticos religiosos, un hermano aparecido y un hijo al que no está seguro de criar.

Seguramente todos hemos visto películas con actuaciones sorprendentes, dignas de cualquier premio. Películas en las que lucen sus protagonistas. Pues bien, esta película no sólo es una de esas. Esta película va incluso más allá.

Esta película es Daniel Day-Lewis encarnado —y es impresionante—.

Pocas veces he visto como un sólo personaje, un sólo actor —en este caso Daniel Day-Lewis— sostiene todo el gigantesco peso de la película al grado que la hace genial y atractiva gracias a su agresivo y orgulloso personaje. (Algo de la talla de Orson Welles en Ciudadano Kane, ¡en serio!) En este caso la academia fue congruente y le dieron su merecido Oscar en el 2007. Y creo que debieron darle dos.

Además el planteamiento de la película es bastante interesante. Pues están los partidarios de no detenerse ante nada por un sueño, saltear todo obstáculo y sacrificar lo que sea. Y hay quienes opinan que eso es inhumano, insensible y puro materialismo. Quizás debamos entender que somos humanos, que tenemos si acaso, sólo una oportunidad de conquistar la cima, que todo tiene un precio y que en todo ello volarán pedazos, —hasta de nosotros mismos—. ¿Es el egoísmo un defecto o una cualidad? Después de todo nada es gratis en la vida. Y menos cuando se trata de pozos petroleros.

¿Se siente usted explotado y con una situación laboral injusta? ¿Le parece que trabaja arduamente y que a cambio recibe un sueldo miserable, que la cobertura médica es insuficiente y limitada? ¿Siente robadas sus horas extra de trabajo? Siente desesperanza por el futuro? Como joven, ¿Le parece imposible hacerse de un crédito justo, de un auto de un departamento o una casa? Como persona mayor, ¿Siente que su jubilación es miserable? ¿Que su fondo para el retiro es pobre e insuficiente? ¿Le parece que su gobierno manipula información y leyes protegiendo al empresario y descobijando al trabajador? ¿Se siente engañado por su senador, diputado y gobernador en turno? ¿Desconfía de los medios de comunicación? ¿Siente que la vida es más costosa cada día, que sus necesidades crecen, que sus gastos aumentan y que su vida se torna gris?

Si contestó que sí a la mayoría de las preguntas, muy probablemente usted sufra de Capitalismo.

Y de ser así, usted pertenece al 99% de las personas que quedan al margen de sus beneficios. ¿Qué es el capitalismo? Capitalismo es un sistema económico en que los seres humanos y las empresas hacen el intercambio de bienes y servicios a través de transacciones de mercado. ¿Fácil? Un sistema controlado por el dinero pues.

El asunto es que este sistema a parte de ser económico se ha vuelto político, social y hasta cultural. Se nos ha convencido de que no existen otros modo de vida, de que las fallas no son de sistema, sino circunstanciales, y de que nosotros pobres miserables algún día gracias a nuestro trabajo, dedicación y ahorro, tendremos la oportunidad de volvernos magnates y ricos capitalistas. ¿Alguien conoce algún caso de estos? ¿Alguien conoce a alguien que de la nada se haya hecho rico gracias a su honesto trabajo?

Y la pregunta es ¿Es que se puede vivir de otra manera? ¿Puede existir un mundo de empresas cooperativas, de ganancias equitativas, oportunidades reales, crecimiento exponencial, trabajo, vacaciones, salud, vivienda, en donde el esfuerzo individual es recompensado? Michael Moore con su documental nos dice que si, nos expone casos sencillos y más claros que el agua. Casos de supervivencia, de rebeldía y de capitalismo agresivo implantado como forma de gobierno, y la posibilidad de una resistencia civil con justas demandas. Habrá incluso algunos que pensarán si este simpático gordito es un exagerado dramático azuzador de izquierdas, pero es simple, si tienen alguna duda de si tiene razón o expone mentiras, hagan una cosa: Simplemente miren a su alrededor y en sus bolsillos, y piensen detenidamente ¿Quién los está engañando realmente?

Marco es un periodista que por azares del destino parece negársele una opción amorosa definitiva. Las circunstancias lo llevan a conocer a Benigno un enfermero de nobles sentimientos. Ambos conviven dentro de un hospital al cuidado de dos mujeres que son el afecto de su cariño. El detalle es que las chicas están en estado de coma.

Hasta ahora tuve la oportunidad de verla. Esta película es del 2002 y los fans de Almodóvar ya han tenido más que tiempo para desmenuzarla y disfrutarla, y la academia hollywoodense para darle un par de Oscares —Como mejor director y mejor guión original—. Y vaya que se los merecía. La cinta tiene el carcaterístico sello de Almodóvar, drama y sentimientos a flor de piel, diálogos poéticos, encontrados y sentimentales. El clásico aderezo (para algunos exagerado) de los anhelos humanos y a la vez toda una serie de detalles aparentemente superfluos pero sólo para terminar bien atados hacia la recta final y dar un demoledor golpe. Un guión sorprendente, (que es el pez gordo de la película) una gran historia, creativa y narrada con maestría sutil —de la calma a la tensión— y con giros sorprendentes de ritmo, que hay que agregar, guión que corrió a manos del mismo Pedro Almodóvar. Las actuaciones del reparto a la medida, (con todo y los lagrimones que le encantan a este director) especialmente la del español Javier Cámara, gran actor que se roba toda las miradas. Hasta el brasileño Caetano Veloso aparece por ahí aventándose tremendo cover de Cucurrucu Paloma.

Ya para que seguir, tenía rato que no veía una película tan completa. Tomemos nota del fabuloso resumen que nos dice Benigno en esta película acerca de las mujeres: “Lo que necesitan es, alguna caricia, un detalle de vez en cuando y que se hable con ella”.

Esta es la historia de un veterano de su profesión cuya carrera viene en picada. Al tratar de sobrevivir tendrá que prestarse a situaciones que él puede considerar poco honrosas. Las circunstancias de la vida lo ponen frente a una segunda oportunidad con una mujer, para ser el esposo y el padre que nunca fue. ¿Logrará este hombre sortear las pruebas, superar sus vicios, sus temores y conquistar la vida?

Para matar dos pájaros de un tiro. Me sorprendió encontrar dos películas recientes con un guión casi a copia y con circunstancias harto parecidas.

La primer película es El Luchador (2008) con su personaje central el gladiador del pancracio Randy “The Ram” quien busca revivir su fama de luchador superestrella de los años 80. El personaje es interpretado por Micky Rourke y le valió una nominación al Oscar como mejor actor al igual que su coprotagonista Marisa Tomei como mejor actriz.

La segunda película es Crazy heart (2009) con su personaje central del músico de country “Bad Blake” quien busca revivir su fama musical en los grandes conciertos sureños. El personaje es interpretado por Jeff Bridges y le valió ganar el Oscar como mejor actor y una nominación a su coprotagonista Maggie Gyllenhaal como mejor actriz.

Ambas películas están muy bien rodadas y bien actuadas. La primera con una cámara móvil que sigue al luchador en todo momento le da un toque muy cercano de realismo y acción (casi casi un documental). La segunda tiene tomas atractivas de amplias panorámicas y ambientes bohemios. Ambas tienen un buen soundtrack, El luchador con rolas de metal y Crazy heart con excelentes composiciones country (uno de sus puntos más fuertes).

Es increíble también como a la academia hollywoodense le encanta este tipo de historias de drama y superación personal y lo complaciente que es con sus premios Oscar a quien le toque interpretar un papel así. ¿A caso otro tipo de propuestas no tienen importancia, y sólo es una gran actuación o una gran película cuando sufre algún veterano, un niño o una gordita? En este caso ambas producciones son buenas y bastante entretenidas pero nunca llegan a ser las genialidades que se pregonan, a tal grado que como ven, se hicieron dos películas con la misma historia. Ya simplemente elijan a su héroe caído ya sea en forma de luchador o de músico vaquero country.

Con el pretexto de restaurar la tumba profanada de su abuelo, Sally y su hermano Franklin se dirigen a un pueblucho de Texas a bordo de una Van con un grupo de amigos para pasar el fin de semana en la vieja y abandonada cabaña familiar. Sin esperarlo pronto se encontrarán inmiscuidos con una serie de extraños personajes que parecen ser una familia de psicópatas. Uno de ellos por ejemplo, usa una sierra eléctrica y una máscara de piel humana. Le llaman Leatherface.

Esta película y sus secuelas están inspiradas en los crímenes del psicópata norteamericano Ed Gein,  que a mediados de los 50 fue capturado después de profanar tumbas y masacrar personas. Se le encontraron en su habitación miembros descuartizados, cráneos y utensilios hechos con piel humana, como chalecos, cinturones y un rostro humano que usaba como máscara y que lo haría famoso. De ahí que varios directores encontrarían inspiración en él, como Hitchcock para realizar Psicosis o Jonathan Demme y su Silencio de los inocentes.

Hoy en día películas como La masacre de Texas pueden parecer comunes y hasta necias repeticiones: El clásico grupo de jóvenes calenturientos que se van a la cabaña más apartada del mundo sólo para ser descuartizados por el psicópata en turno. Pero atención, en aquel año de 1974, este tipo de película ni siquiera existía. La masacre de Texas fue la primera de su género y la que puso de moda poner a correr a una chica con un asesino serial a cuestas. Tobe Hooper fue el director de esta obra de suspenso, terror y gore, mostrando un derrame de sangre, locura y desesperación. Una película crudamente rodada, que le da quizás un realismo involuntario y mucha naturalidad gracias a sus novatos y principiantes actores. Los locos de esta película si que son desagradables y ni siquiera tuvieron que ser maquillados. Realidad pura.

Esta película (junto con Psicosis) hizo leyenda a los psicópatas. Leatherface o Cara de cuero, tiene toda una identidad, una personalidad horrorosa, un tipo con retraso mental, un arma escalofriante —su inseparable sierra eléctrica— y su sello personal —su máscara de piel humana—. Después de Cara de Cuero vendrían burdas y torpes imitaciones (aunque superclásicas) como Jason Vorges de Viernes 13, Freddy Krueger de Pesadilla en la calle del infierno o Michael Mayers de Halloween.

Para los que busquen más y simpaticen con la onda gore y las corretizas con la sierra eléctrica; se han rodado toda una serie de secuelas y adaptaciones (que ninguna de ellas ha alcanzado a su original). La matanza de Texas 2 dirigida también por Tobe Hooper, abarató a su propio Leatherface. La masacre de Texas 3: Leatherface simplemente explota al personaje sin ningún guión inteligente. Y La Masacre de Texas 4 “La nueva generación” (en serio, así le pusieron) es malísima a pesar de contar con una Renée Zellweger y un Matthew McConaughey adolescentes. Así que sólo si son fans de las tripas al aire, véanlas bajo su propio riesgo.

Las que si salvan, (curiosamente) son los remakes de este nuevo siglo. En 2003 se hizo un refrito de la original y vaya que les quedó decente. Consiguieron un Leatherface tenebroso con una máscara más horripilante que la de su original e hicieron más sólido al personaje del tío de la familia convirtiéndolo en un aterrador sheriff (interpretado por el escalofriante Ronald Lee Ermey) que gusta de torturar jóvenes y acosar señoritas, —bien enfermo de la cabeza—.

En el 2006 apareció la última de la serie, siendo una precuela que explica para los fans como nació el podrido de Leatherface y como el desgraciado se hizo de su primera mascarita ¡De locos!

De pilón una rolita de los Ramones que como buenos adolescentes de los años 70, vieron la película original y se les ocurrió componer la descabellada Chain saw.

Así que ya lo saben, si quieren ver a la madre de los psicópatas, no se pierdan La masacre de Texas, aquella vieja versión original de 1974.